Fernando Medina: «Hay diseñadores que hacen decoración gráfica, ensamblaje o diseño karaoke»

‘Nevando Tinta’ es un proyecto realizado con un papel especial y tinta. Un proceso 100% artesanal, sin valerte de la informática ni tecnología. ¿Por qué?

En el año 1997 decidí afrontar la experiencia personal de ‘Nevando Tinta’. Su gestación tuvo origen en Francia, donde resido desde el año 96. Fueron las características de un papel irrompible que utilicé para el diseño de un zapato desechable cuando residía en Montreal, Canadá, que me parecieron suficientemente interesantes para experimentar con este material. La idea del proyecto ‘Nevando Tinta’ vino a mí como la necesidad de expresar gráficamente mis profundas convicciones. Era la oportunidad de diseñar todos los carteles que ningún cliente me había encargado nunca y reunirlos en una exposición.

Después del papel vino la tinta como medio de expresión. Nunca me cuestioné el uso de la tecnología o de la informática. Estaba claro para mí que quería hacer algo orgánico y a mano, método que solía usar desde el principio de los 70 cuando comencé a ejercer como diseñador. No entre en la informática ni por rechazo ni por ninguna filosofía particular. Conservo todavía un lado de artesano.

¿Crees que la tecnología informática, hoy por hoy, te puede ayudar en tus proyectos o prefieres seguir trabajando manualmente?

En algunas ocasiones he necesitado utilizar fotocopias para ampliar un texto o una imagen, cual sea el concepto, el proceso es siempre manual. Aunque cuando se ha tratado de un proyecto de diseño gráfico he recurrido a la ayuda de un operador de Mac.

Este proyecto se inició en 1997, desde entonces la exposición ha itinerado por distintas ciudades en el tiempo. ¿Cuál es tu punto de vista hoy? Es decir, ¿tu visión es la misma o piensas que ha evolucionado con los años?

Desde que comencé el proyecto de ‘Nevando Tinta’ sí que he cambiado un poco la visión de los conceptos. Inicialmente la obra era toda en blanco y negro y en los últimos años he introducido el color. He considerado que en algunos conceptos el aporte del color daba más fuerza a la imagen. También he introducido ideas más comprometidas como las minas antipersonas, la Paz, la guerra, la ecología, etc… Es más por esta línea, por la que siento que debo seguir. Creo que así he vuelto a recobrar mi manera de hacer diseño dando al mensaje conceptual un sitio más preponderante.

¿Cuál es la delgada línea que separa al diseñador del artista?

Yo no tengo ninguna pretensión en arte. Pienso y trabajo como un diseñador. No sé como los artistas funcionan. El diseño es arte aplicado. En cuanto al arte pienso que es más liberado de condicionamientos que el diseño ya que éste está sujeto a una utilidad y una función. El arte y el diseño son como dos líneas paralelas que a veces se juntan. No me identifico con la denominación de artista. Hay diseñadores que podríamos considerar también como artistas, pero no creo que haya artistas que se puedan considerar como diseñadores. Pienso que son dos campos definidos. Sin embargo, hay algunos diseñadores que conjugan y fusionan las dos disciplinas como, por ejemplo, Milton Glaser o Koichi Sato, por citar dos de ellos.

Para ti el concepto, las ideas son la fuerza motriz del diseño. ¿Crees que esto se cumple actualmente? ¿Podrías citar algún ejemplo que te venga a la cabeza y en el que esta premisa está presente?

Pienso que una gran parte de los diseñadores están de acuerdo en que el concepto es la fuerza motriz del diseño y, por el contrario, hay muchos otros que no han comprendido qué es el diseño y hacen decoración gráfica, ensamblaje o diseño karaoke. Pienso que esta inclinación proviene de la facilidad de recursos que ofrece el ordenador. Por ejemplo, algunos diseños de logotipos actuales que se ven en Francia no comunican absolutamente nada: formas ovaladas entremezcladas, tipografía mal elegida, a veces deformada tratando de crear un efecto de originalidad que queda en un resultado superficial y este cóctel está vendido como Identidad Corporativa a grandes sociedades. Tengo la impresión de que es más hábil el departamento de ventas de estas oficinas de diseño que los propios diseñadores.

Hace años que te dedicas a realizar proyectos personales. ¿Tan ‘malos’ son los clientes para decir definitivamente adiós a los trabajos por encargo o se puede extraer algo positivo de los trabajos realizados para otros?

Los clientes no son ni buenos ni malos. Son todos respetables. No he dicho adiós definitivamente a los trabajos por encargo. Claro está que no haría cualquier proyecto que vaya en contra de mi ética. Estoy de acuerdo que hay trabajos de encargo sumamente motivadores. De hecho, los he encontrado en mi camino: MoMA, NEOCON, EXPO de Vancouver, Polaroid, el proyecto Ballpoint de Pentagram y muchos otros. Cuando trabajé en Japón pude constatar y vivir la relación que existe entre cliente y diseñador. Ahí los diseñadores son muy respetados por los clientes, pero también el cliente necesita tener una gran confianza en el diseñador, lo que crea un respeto mutuo y una relación muy armoniosa. Nadie impone a nadie.

¿Cómo se consigue “comunicar ideas y pensamientos a través de conceptos gráficos” con un punto de vista social?

Pienso que esto te lo da la experiencia y la manera de ver la sociedad desarrollando un ojo crítico frente al sistema en el cual estamos sumergidos. Todo esto funciona como una alquimia. Es un proceso que trata de traducir la consciencia en un lenguaje visual.

Dentro del contexto actual, ¿qué concepto gráfico podría definir la situación que viven hoy las ONGs de ayuda humanitaria frente al acoso y derribo de la fuerza israelí?

Hace varios años me encargaron un cartel para la causa palestina y mi diseño fue una gran mano simulando una pistola apuntando a una pequeñita hormiga, todo esto sobre fondo blanco. Pienso que esta imagen podría hoy en día ser la misma como respuesta a tu pregunta.

‘Nevando tinta’ estará en el MuVIM hasta el 12 de octubre.

+info: www.muvim.es